空间存在于无形，物体彰显体量。从最初的“观物取相”，即把目之所及的物体尽可能具实地描绘、拟真，进而融入个人思想、风格形式的“借物造相”，雕塑堪称凝聚时空的最佳思辨。但材料物质本身成为雕塑作为作品自身现实的局限。传统定义下，无论是探讨雕塑对象内部空间的物质空间还是着眼场域的虚空间，物质几乎等同雕塑本身。此次展览的四位艺术家，都以雕塑的形式为起点，在各自的艺术创作中不断的探索，以不同的方式实现对日常损耗的抵抗。

　　栾佳齐更倾向于对跨界的尝试。她的声音震动装置系列一直都致力于探讨不可见的声波与视觉领域之间的关系。但她对声波的呈现较之以往的艺术作品，更具有主题性和预设性。这种呈现是对自我心绪和情感更为主动的表达。象征爱的频率的“克拉尼图形”凝结的同时，也是艺术家将爱、情感等无形概念于某一瞬时间凝聚的记录。

　　此次展览的四位艺术家在探索自身独特艺术符号的同时，并没有放弃雕塑本体语言，无论创作方向如何，都是意图将媒介—概念—意识建构之间的关系脉络化，在媒材与题材上做出相应讨论，以期展现自己对艺术的理解，对生命的感受。

　　罗旦则通过对雕塑本体的深入探讨，以日常的主题、传统的形式来呈现体操和芭蕾等表演运动中的人物，然而对于这一主题的呈现是以违反日常理解的形式展开的。对体操和芭蕾人物先入为主的刻板印象被他作品中那些膨胀饱满的形体所打破，细长的支架与浑圆的躯体以对比达到平衡。手绘的轻盈的浅色调使作品呈现出手工劳作特有的亲切和通透，也增加了作品中情感与形式的层次感。

　　刘亚洲的作品看似为日常现成物组合而成的装置，实际上却是对物与时间之间关系的重新探索。这些装置组合的现成物之间缺乏人工刻意的加固措施，纯以精确的摆放维持装置的平衡与稳定。物与物之间的平衡在人的干预下隐含着不被察觉的、微妙的不稳定，影像所呈现的装置由静止到倒塌的过程，包含着自我、物与时间之间交错的关系，也包含着刘亚洲对于这一交错关系的探索。

　　20世纪以来，雕塑的形态逐渐被改变，也改变了人们观看作品的方式。传统雕塑是强调塑造手法的空间艺术,跨界让雕塑开始向装置性过渡，收纳声音、动态等元素。概念的延义让雕塑变得更像一种心理性理念。这一艺术形式依旧占据空间，塑造的手法却更加多样、变幻。约瑟夫波伊斯的“社会雕塑”概念将艺术做为社会观念的一种雕塑物，“社会雕塑”不再指看得见的造型，而是人的概念生成，具有了更多的不确定性与时间性。若关系的形塑与概念的生成都是无形的雕塑，那么，行为、影像、装置、绘画，任何形式也都可成为“雕塑”。

　　艺术的作用往往被简化为将看世界的方式外化呈现，露易丝布尔乔亚将艺术的终极意义概括为“是为了满足生命的需求”。个体间的“生命的需求”各异，但相同而又不可避免的是日常时光流逝对人自身的损耗。生命自身的重量犹如地心引力，仿若无形却悄然拖人下坠。艺术，或许就是人类用以抵抗此种下落的重要而美好的方式。犹如Tourbillon不停旋转，凭借运动本身抵消地球引力的消极影响一般，艺术正是艺术家们通过自身行动，探索并矫正内心情绪与外部艺术形式的误差，以Tourbillon式的抵抗，补偿损耗，实现个体的生命需求。

　　赵凯的作品则采用了传统的雕塑形式来探讨自身对人类去向的追问。他所塑造的人与动物的形象呈现典型的当代性，但作品中去情绪化的碎片式人物形象与动物凝视的组合所营造的恬淡、自在的理想境界却显现出东方意蕴的哲思，是对天、地、人，生物性与自然性之间和谐关系的追寻。